Sieben herausragende Stücke vom New York Design Festival

Aug 20, 2023

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Bienen, Samen, Metall und Stein waren bei der Veranstaltung zu sehen, die die Stadt zu einem Designzentrum macht.

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Von Aileen Kwun

NYCxDesign, ein Designfestival, das jedes Jahr im Mai in New York City stattfindet, schloss letzte Woche seine 11. Ausgabe mit einer starken Reihe von Gruppenausstellungen in allen Bezirken ab – in Showrooms in Soho, Künstlerateliers und Hinterhöfen in Brooklyn, leerstehenden Büroräumen in Chinatown und Galerien dazwischen .

Obwohl offiziell als ein einwöchiges Festival angekündigt, das am 19. Mai beginnt und von der International Contemporary Furniture Fair (ICFF) und WantedDesign im Javits Center ausgerichtet wird, schien die Veranstaltung bereits eine Woche zuvor mit einer prall gefüllten Liste angrenzender Kunst- und Designmessen richtig begonnen zu haben in der Stadt – darunter die European Fine Art Foundation (TEFAF), Frieze New York und die New Art Dealers Alliance (NADA). Nachfolgend finden Sie einige Highlights der diesjährigen Ausgabe.

Obwohl es moderne Stahlmöbel und Leuchten schon mindestens seit dem Maschinenzeitalter gibt, waren dieses Jahr in beiden Kategorien elegante Chromoberflächen, polierter Edelstahl und gebürstete Aluminiumoberflächen besonders beliebt.

Jialun Xiong, ein aufstrebendes Talent, präsentierte Default, ihren Debütauftritt bei WantedDesign, in einer monochromen Palette aus Silber- und Grautönen, die den Eindruck erwecken sollte, „in die Darstellung eines 3D-Modellierungsprogramms zu geraten“, sagte sie. Ein paar Stände weiter teilte Simon Johns Aluminiumtische aus seiner ahnungsvollen Future Fossils-Serie, die sich die heutigen Designs als zukünftige, aus Stein ausgegrabene Artefakte vorstellt.

Bei der Pop-up-Show von Sight Unseen in der Galerie Voltz Clarke erinnerte Kouros Maghsoudis zylindrischer Neo-Lounge-Sitz aus handgeschweißtem Aluminium an das Weltraumzeitalter. So auch die neuen Tenfold-Pendelleuchten von Luft Tanaka, die Teil einer Gruppenausstellung waren, die er im Hinterhof des Restaurants Chino Grande veranstaltete. Das unabhängige, von Frauen geführte Studio Egg Collective brachte eine Reihe von Beistelltischen aus poliertem Edelstahl mit wellenförmigen Silhouetten und kleinen illustrativen Einlagen aus Schlangen und Augen heraus. Und das von Crosby Studios entworfene Pop-up-Restaurant We Are Ona, das am meisten auf Instagram gepostet wurde, verfügte über mit Konfetti bedeckte Böden und ein silbernes, fotogenes Tischservice, das speziell für das Metaversum angefertigt wurde.

Wenn Notwendigkeit eine Mutter der Erfindung ist, ist Zwang eine andere. „Make-Do“, eine vom Auktionshaus Catalog Sale und der Galerie Marta in Los Angeles organisierte Pop-up-Ausstellung in Chinatown, war ein augenzwinkernder Lobgesang auf Improvisation und Instinkt.

Avi Kovacevich, ein „Picker“ für Vintage-Galerien und Mitbegründer von Catalog Sale, zeigte 12 eigenwillige Stühle aus seiner Sammlung – Objekte aus Teppichen, Autoreifen und Schubkarrenteilen – neben neuen Aufträgen von einem Dutzend New Yorker Designern, darunter Minjae Kim und Nifemi Ogunro, die die Aufgabe hatten, innerhalb von drei Tagen einen neuen Stuhl zu entwerfen.

„Der Geist des ‚Einfach ausprobieren‘ ist dabei der wichtigste Aspekt“, sagte Herr Kovacevich. „Das Endprodukt ist die Skizze, der Prototyp und die Anpassungen in einem.“

Mehrere Designgalerien präsentierten Einzelausstellungen, die das Gewicht und die Schönheit von Stein und Beton hervorhoben. In Chelsea präsentierte die Galerie Friedman Benda „Coarse“ von Samuel Ross, einem britischen Produkt- und Modedesigner und Gründer des Labels A-COLD-WALL*, der bei Virgil Abloh seine ersten Erfahrungen gesammelt hat. Für seine neuen Arbeiten glasierte und einbalsamierte Herr Ross Steinoberflächen in einer rituellen Geste mit Kurkuma und Honig und verband sie mit kontrastierenden Akzenten aus Industriematerialien in leuchtenden Neontönen.

In der Carpenters Workshop Gallery präsentierte Wonmin Park, ein südkoreanischer Designer, eine neue Kollektion, die präzise Stahlflächen mit rohen, geformten Steinbrocken verband. Und ein Highlight bei Rafael Prietos erster Einzelausstellung „Together Over Time“ in der Emma Scully Gallery war eine Lichtskulptur, die eine Laterne und einen Stein mit einem geknoteten Seil verband. Bei einem Pop-up in Soho zeigte Arielle Assouline-Lichten ihr wachsendes Ensemble an Möbeln und Leuchten aus gefundenen Steinplattenstücken, wobei sie Unregelmäßigkeiten und überraschende durchscheinende Eigenschaften hervorhob.

Wo ziehen Sie die Grenze zwischen einem Original und einer Fälschung?

In der Designgenossenschaft und Galerie Colony in der Canal Street stellte der Gründer Jean Lin das Schreckgespenst der Branche vor Fälschungen auf den Kopf, indem er die Mitglieder anwies, sich von bestehenden Designs für „The Knockoff Show“ inspirieren zu lassen. In einem visuellen Telefonspiel übernahm Bec Brittain ein paar Details von Lindsey Adelman, einer anderen Lichtdesignerin und ehemaligen Arbeitgeberin. („Eine genehmigte Kopie“, scherzte Frau Lin.) Das bekannteste Instagram-Stück der Gruppe, von Ben Erickson, präsentierte eine Nachbildung des röhrenförmigen Ekstrem-Stuhls von 1984, der frech mit Abwasserrohrteilen mit Chrom-Spiegel-Emaille nachgearbeitet wurde.

Der Umgang mit Nachahmungen sei für jeden Designer eine schwierige Realität, sagte Frau Lin. Aber einen Punkt der Frustration in einen Punkt der Kreativität zu verwandeln, „kann die Erzählung ein wenig verändern und auch über die Tatsache sprechen, dass nichts im luftleeren Raum existiert.“

Im Flaggschiff-Showroom 3.1 Phillip Lim präsentierten Andrea Hill, Inhaberin von Tortuga Forma, und Lora Appleton, Gründerin von Kinder Modern und dem Female Design Council, gemeinsam mit der Asian American Pacific Islander Design Alliance die Ausstellung „Upon Further Reflection“. Werke von 20 weiblichen asiatischen Designern und Künstlern mit Sitz in den USA

„Wir alle in der Gemeinschaft haben unseren persönlichen Weg zu dem, der wir sind, überdacht“, sagte Frau Hill, die chinesische Amerikanerin der ersten Generation ist. Sie beschrieb diese Reise als „schmerzhafte, faszinierende, wichtige Arbeit“. Herausragende Werke – darunter die Keramikerin Jane Yang-D’Haene, der Textilkünstler Windy Chien und das Designstudio Soft-Geometry – verwandelten diesen Akt der Selbstreflexion in eine freudige Hommage an unterschiedliche Perspektiven und Talente.

Einige der denkwürdigsten handgefertigten Werke hatten auch eine Geschichte zu erzählen.

Für ihre neue Serie koralleninspirierter Glaswaren mit La Romaine Editions verwendete Sophie Lou Jacobsen, eine französisch-amerikanische Designerin, die rustikale „Bullicante“-Methode, die Blasen im Glas erzeugt, die einen wässrigen Effekt erzeugen. Und im Future Perfect Showroom im West Village griff Chris Wolston, ein in Kolumbien lebender Künstler, mit „Flower Power“ auf die Schönheit und Symbolik der lokalen Pflanzenwelt zurück, ein neues Set aus Terrakotta-Stühlen und -Lampen mit kleinen Bronzeameisen als Akzent , Bienen und andere Lebewesen. Bei Sight Unseen waren die Tone-Beistelltische des südkoreanischen Designers Sohyun Yun mit durchscheinenden Acrylplatten ausgestattet, die in einer von traditionellen Hanbok-Stoffen inspirierten Farbpalette handgefärbt wurden.

Die Wanderausstellung zum Loewe Foundation Craft Prize, die dieses Jahr vom Noguchi Museum in Long Island City ausgerichtet wurde, zeigte atemberaubende, einzigartige Arbeiten von 30 Finalisten, darunter Liam Lee und die diesjährige Gewinnerin Eriko Inazaki.

Bienenlebensräume, Regenwassersammler, eine Samenbibliothek und ein Gemeinschaftskühlschrank gehörten zu den 35 Projekten, die in der durchdachten Ausstellung „Public Access“ vorgestellt wurden, die von Jean Lee, einer Designerin, in der Buchhandlung Head Hi und der Naval Cemetery Landscape, einer Oase, kuratiert wurde der öffentlichen Grünfläche im Brooklyn Navy Yard. Frau Lee, die einen weltweiten offenen Aufruf für öffentliche Installationen startete, die einen Akt des Teilens provozieren, sagte, sie habe mit der Planung der Show während der Coronavirus-Pandemie begonnen, zu einer Zeit, als sie „das Bedürfnis verspürte, Kontakte zu knüpfen, aber auch füreinander zu sorgen“. ." In einem Manifest für die Show wurden Werte wie „Autorenschaft statt Eigentum“, „Vielfalt statt Homogenisierung“ und „Teilen statt Kommerzialisierung“ vertreten. Als willkommener Kontrapunkt zu den privaten Luxusgütern, die einen Großteil der Woche prägten, gab es nichts zu verkaufen – alle vorgestellten Designs sind Open Source und online verfügbar.

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